Bir opera bestecisi, bir “Hamlet” uyarlamasını düşünmek ve şöyle düşünmek için bir Richard Wagner’in destansı yeteneklerine ve destansı cesaretine ihtiyaç duyardı: “Evet, anladım.”
“İlk tepkim,” Brett Dean daha mütevazı bir cesaretle, “hayır demekti, bu kadar büyük bir şeyin üstesinden gelemeyeceğimi söylemekti.”
Ancak yaklaşık 10 yıl önce, Dean çekincelerini bir kenara bıraktı ve libretto yazarı olarak yanında Matthew Jocelyn’le birlikte oyunu ele almaya başladı. Ve Shakespeare’in metnini hem çarpışmalarda hem de fısıltılarda garantili bir puana ayarlarken cesurca kesip yeniden yapılandırarak, onu yere serdiler.
Şimdi Metropolitan Opera’da Dean ve Jocelyn’in “Hamlet”i kara kara düşünüyor, hareketli ve sürükleyici. Bu iki sanatçı, orkestra çukuruna usulca dumanı tüten küçük bir koroyu, müzisyenleri ise kırık tantanalar için balkon kutularına yerleştirdiler. Ve hem akustik yollarla hem de inleyen subwoofer’lar aracılığıyla, acı çeken karakterleri neredeyse kan dolaşımınızın içine soktular.
Hem geleneksel hem de yenilikçi, zarif ve tutkulu bir eser – oyundan alıntı yapmak gerekirse, bir hit, çok aşikar bir vuruş.
“Hamlet”, İngiltere’deki Glyndebourne Festivali’ndeki 1.200 kişilik mücevher kutusu tiyatrosunda şimdiden takdire şayandı. Orjinal oyunun yaklaşık 400 yıl önce oynandığı Londra’daki Globe’dan sadece 50 mil uzakta, 2017’de orada prömiyer yaptı. Böylesine samimi bir mekanda bir eser başarılı olduğunda, yaklaşık 4.000 koltuklu Met’te de aynı etkiyi yaratacağının garantisi yok.
Ancak “Hamlet” sadece Met’i doldurmuyor. Koca evi sarıyor. Bu aktarım hiçbir taviz veya soluk yankı değildir; Cuma günü açıldığında, iki perdelik opera, beş yıl öncesine göre daha güçlü ve tutarlı hissettirdi.
Glyndebourne’da, parça soğukkanlı bir virtüözik izlenim bıraktı, oyun üzerinde derin veya etkileyici bir yerleşimden ziyade akıllıca bir meditasyon olarak ortaya çıktı. Ama müzikal olarak göz kamaştırıcıydı ve Met’te daha az değil. Karanlıktaki ilk mezar gümbürtüsünden yalnız sona kadar – trampetin kağıt gibi kırışıkları; bir viyolayı taklit edecek kadar yüksek ve arzulu bir çello solosu; sessizce nefes nefese rüzgarlar – Dean’in puanı çokluklar ve gizemler içeriyor.
Hikaye ilerledikçe, şiddetli patlamalar ve kaynayan ses sisleri olur, bunların içinden seslerin çıktığı, uçlarında duygulanış, ama aynı zamanda tarif edilemez bir şekilde insani sesler vardır. Perküsyon, klarnet ve trompetçiden oluşan, sahne önü bölümünün her iki yanındaki balkon kutularındaki iki antifonal grubun yardımıyla, elektronik auralar seyircinin etrafında dönüyor gibi görünüyor.
Bu vurmalı çalgıcılar, çukurda üç kişi tarafından kışkırtılıyor, tapınak çanları, hurda metal, cam ve plastik şişeler, alüminyum folyo, gazete ve uygun bir şekilde denilen bir davul da dahil olmak üzere olağan ve olmayan bir enstrüman ordusunu kullanıyorlar. bir aslan kükremesi. Bu, hırıltılı saldırganlığın yerini narin pırıltılara bırakan, patlayan ve tırmalayan, titreyen ve düşen bir operadır.
İlk şirkette Nicholas Carter tarafından yönetilen Met’in topluluğu Cuma günü Londra Filarmoni Orkestrası’nın Glyndebourne’da olduğu kadar odaklı ve zengindi.
Ama ister benim algımda bir değişiklik olsun, ister daha büyük yeni çevre ya da her ikisi de, Dean’in müziği ile Jocelyn’in librettosunun birleşimi – oyunun farklı versiyonlarının coşkulu ama ölümcül ciddi bir karışımı – şimdi daha fazla hissettirdi. inandırıcı. Opera kendi içine büyümüş gibi görünüyor. Sabırlı, törensel sertliğini veya teatral oyunlarını kaybetmeden, daha güçlü bir anlatı itkisi vardır. 2017’de epizodik görünen şey, şimdi gergin dramatik bir yay olarak karşımıza çıkıyor, metin bazen stilize edilmiş – karakterler ana hatların tekrarını yapma eğilimindedir – ancak hikaye anlatımı net, yalın ve her zaman çevik müzik tarafından destekleniyor.
Bu netlikte çok önemli bir faktör, Neil Armfield’ın Glyndebourne’da ortaya çıkan, ancak Met için zahmetsizce ölçeği büyütülmüş vahşi, canlandırıcı üretimidir; daha büyük, bu durumda, gerçekten daha iyi. Şarkıcıların yüzleri, tam olarak hazırlanmadan önce hizmete giren Kabuki oyuncuları gibi, un beyazı ile kaplanmıştır. Alice Babidge’in aristokrat kostümleri, zamanımızla 1960’lar arasında muğlak bir şekilde yüzüyor ve Ralph Myers’ın – Jon Clark tarafından sel basan gün ışığı ve kederli gün batımıyla aydınlatılan – seti, bir tiyatronun sahne arkası olmak için parçalanıp dönen bir malikane balo salonu. Unutmamıza izin verilmeyen bu karakterler de birer oyuncu – ama bu biraz tarafsızlık mücadelelerinin keskinliğini sadece iki katına çıkarıyor.
Met’in başrolde ilk çıkışını yapan tenor Allan Clayton, İngiltere’de olduğu gibi aynı dağınık, melankolik varlık. Gösteri sırasında sahneyi zar zor terk ederken, sonunda ter içinde kalıyor. Ancak, skorun menzilinin kenarlarına doğru zorladığı gerginlikler şimdi daha kasıtlı, hatta güzel görünüyor; tonu bazen keskin bir şekilde lirik, bazen alaycı bir şekilde keskindir. Clayton, karakterin çaresizliğini kaybetmeden şimdi Hamlet’i daha ikna edici bir şekilde antika ve alaycı – daha gerçek hale getiriyor.
Hamlet’in babasının hayaletini betimleyen – taş tonlu bas-bariton John Relyea tarafından söylenen vahşi, kendinden geçmiş bir icat – Dean, ürkütücü, etkili korku filmi efektlerinin üzerinde değildir. Bariton Rod Gilfry ve mezzosoprano Sarah Connolly, Claudius’un (Hamlet’in amcası ve babasının katili) ve Gertrude’un (annesi ve ölümcül bir şekilde Claudius’un yeni karısı) gösterişli sertliğini çağrıştırıyor.
Dean ve Jocelyn bize kırılgan bir çiçekten daha açık sözlü ve güçlü bir Ophelia verir, ancak çukurdan gelen o görünmeyen koro sisi, başından beri dengeli, ince soprano Brenda Rae’nin etrafında gezinir, bir delilik önsezisi. Claudius ve Gertrude’un önünde Hamlet’in tuhaf davranışları hakkında tanıklık yaptığında, sadece bir tapınak kasesinin bronz rezonansını duymuyoruz; bir şekilde kendimizi onun klostrofobik metalik boşluğunun içinde de hissediyoruz.
Ophelia’nın çılgın sahnesi, Rae’nin çamurlu iç çamaşırları, keçeleşmiş saçları ve erkek ceketi içinde, notaları titretmek için şarkı söylerken göğsüne vurduğu, abartmadan ürkütücüdür. İntikam alan kardeşi Laertes olarak, tenor David Butt Philip ateşli; onun işgüzar babası Polonius gibi, tenor William Burden karikatürden kaçınır. Sahne korosu da dahil olmak üzere tüm geniş topluluk güçlüdür, ateşli bir şekilde amansız bir şekilde birleşmiş bir soylular güruhu.
Aryeh Nussbaum Cohen ve Christopher Lowrey tarafından sevimli bir şekilde kara kurbağası kontrtenor ikizleri olarak tasvir edilseler de, Rosencrantz ve Guildenstern müzikal veya dramatik bir amaca hizmet etmek için mücadele ediyor. (Ambroise Thomas’ın 1868 tarihli Fransız “Hamlet”i için budanmışlar, hala geniş çapta dolaşımda olan diğer tek opera versiyonu.) Ama Dean’in hayal gücü ve uygulaması o kadar kesin ki, sahip olmadığınız unsurları bile onun teatral dünyasının bir parçası olarak kabul ediyorsunuz. senin için seçildi.
Ve Hamlet’in babasının cinayetini anımsatmak için gezici bir aktör grubunu topladığı sahneye bir akordeonistin (Veli Kujala) ıssız taşra kıvraklığını eklemek gibi, onun fikirlerinden pek çoğu ilham alıyor. Daha sonra, mezar kazıcısının ıslığı (aynı zamanda oyuncu grubunun şefini de söyleyen Relyea) orkestraya mucizevi bir kısıtlamayla geçer, ta ki grubun ciddiyeti pirinçten alaycı homurtular ve daha rüzgarlı akordeon hırıltılarıyla kesilinceye kadar.
Bu uzun bir notadır – iki saat 45 dakikalık müzik – ve temposu, özenli, hatta acılı bir müzakere ile ortaya çıkan bir kan banyosu finali sırasında bariz bir şekilde yavaşlar. Ama Dean ve Jocelyn’inki gibi kendinden emin bir vizyon içinde yaşamak ve bunun etrafınızda ve içinizde yaşadığını hissetmek, büyük sanatın verdiği zevktir. Kim bunun bir an önce bitmesini ister ki?
Hamlet
9 Haziran’a kadar Metropolitan Opera, Manhattan; meopera.org.
The New York Times haberinden çevrildi ve haberleştirildi.