VENEDİK — Gözlerde başlar: utangaç veya baştan çıkarıcı, ağzı açık veya kapalı, zihin ve dünya arasındaki sulu sınırlar. Alman sürrealist Unica Zürn’ün yoğun, otomatik siyah dalgalı çizgilerden oluşan öğrencileri var. Ulla Wiggen’in her biri parmak izi olarak benzersiz olan ve bir kredi kartının kilidini açabilen veya bir sınırdan geçişi engelleyebilen dev irisleri, dairesel tuvallere yakın plan olarak boyanmıştır. Şehrin her yerinde, palazzo tarafındaki posterlerde ve vaporetti’nin gövdelerinde, 59. Venedik Bienali’ni ilan eden gözler var: genç Meksikalı sanatçı Felipe Baeza tarafından çizilmiş, bedensiz, derin uzayda yüzen hayaletimsi, sütlü kornealar.
Bir sanat sergisine, özellikle Venedik’inki kadar büyük bir sergiye “gözler ziyafeti” demek sıradan bir şey (ve kullandığımı göremezsiniz). 2022 Bienali ya da en azından onun ana sergisi, gözlerin bir şölenidir : bakmanın ve incelemenin dev, coşkulu bir şölenidir. Gözler, beyin ve sosyal ağ, rüya ve ekosistem gibi dünyalar arasında köprü kurmakla ilgili bir gösterinin ana metaforu olarak ortaya çıkıyor. Venedik’teki gözler bilinçdışına açılan kapılardır, aynı zamanda yanlış yönetimin çözümleyicileridir. Resimlerden dışarı bakarlar, videolardan çıkıntı yaparlar ve bazen (Simone Leigh’in bronz totem “Brick House”daki gibi) kıskaç kapanır. Teşhir ediliyor olabiliriz ama geriye ya da içimize bakıyoruz.
Dünyanın en eski ve en önemli çağdaş sanat sergisinin bu yılki sayısı düzenlendi zorlu koşullarda büyük bir gösteri düzenleyen New York merkezli İtalyan küratör Cecilia Alemani tarafından muzaffer bir hassasiyetle: iptal edilen stüdyo ziyaretleri, tıkanmış nakliye rotaları, dört nala koşan sigorta masrafları ve şimdi, lagünden 900 mil ötede bir kara savaşı. Alemani’nin “Düşlerin Sütü” başlıklı sergisinin Mayıs 2021’de açılması gerekiyordu. Koronavirüs pandemisi hem bu gösteriyi hem de Venedik mimarlık bienalini bir yıl geriye itti ve o gecikmeyi çok iyi değerlendirdi.
Zorlukları yalnızca lojistik değildi. Bir süredir, çağdaş sanatın bienal sergilerinin kendi rotasını çizmiş olabileceğini hissettim. Sürekli taklitçi günümüzden hiçbir tutarlı yeni tarz veya hareket ortaya çıkmayacak ve bu yılki büyük ölçüde dehşet verici ulusal pavyonları (Venedik Bienali’nin Alemani’nin üzerinde hiçbir kontrolü olmayan diğer yarısı) ziyaret ederseniz, hangi ince seçimlerin çağdaş olduğunu göreceksiniz. sanat sunmaktır. Bu nedenle küratör ve ekibi, fazladan yıllarını arşivlere dalmak için kullandı – 2020’de Alemani, Bienal’in ilk 100 yılı üzerine bir serginin eş küratörlüğünü yaptı ve özellikle Sürrealist ve feminist gelenekler aracılığıyla, bu gösteri.
Bu Sürrealist ve feminist temalardan biri, bedenlerin ve teknolojilerin birbirinden temiz bir şekilde ayrılamayacağıdır. Doğa ve toplum her zaman birbirini yeniden şekillendiriyor – iklim krizi zamanlarında hiç olmadığı kadar – ve bu gösteride makineler hayvanlar gibi davranıyor, vücutlar robotlar gibi seğiriyor, etler protezlerle birleşiyor ve metaller ve plastikler sarkmaya, sızmaya, erimeye devam ediyor.
Başka bir tema, imparatorluk ve ataerkilliğin bize emanet ettiği bildirilen siyasi ve ekolojik krizleri durdurmak için ruhsuz dünyamızın yeniden büyüsüdür. Modern yaşam, Venedik’in mihraplarından tanrısallığı çekip aldıysa ve sanat takdirini laik bir girişim haline getirdiyse, bu gösteri gondolları geri döndürmek istiyor. Öyleyse, içinde yaşadığımız dünyanın – iyisiyle kötüsüyle; güzellikte ve kitsch’te – düzenli olarak ötesindeki dünyalara arka koltukta oturur.
Yakın zamandaki kıtasal ve feminist felsefenin bağımlıları, ruh hali müziğini tanıyacaktır: Rosi Braidotti’nin post-insan teorileri, Silvia Federici’nin cadı avını cinsiyetçi şiddet olarak analizleri. Ve yine de: Çok fazla bienal, etiketlerin teorik ağır yükü kaldırmasına izin verdiğinde, Alemani’nin seçimleri güçlü bir şekilde düşünülmüş ve ustaca seçilmiştir (bazı son modaları takip etmeden olmasa da: Yerli kozmolojiler; bilgisayar algoritması için bir metafor olarak dokuma; yığınlarla dolu iki koca oda. kir). Bunlar, başta Latin Amerika olmak üzere her yerinden katılımcıları içeriyor ve pek çok Avrupa ve Amerika müzesini etkileyen tokenizme asla düşmediler.
Gösteri resim ağırlıklı – bastırılanın dönüşü bebeğim! – ve insan sonrası araştırmalarına rağmen, yeni medyaya ışık tutuyor. Raphaela Vogel’in 10 kadavra beyaz zürafa tarafından sergilenen tekerlekli kanserli bir penisin heykelsi süiti gibi, sık sık sürprizlere ve baş döndürücü tatsız anlara sahiptir. (Doğru okudunuz.)
Tüm bunlar, daha az kurnaz bir küratörün manşetinin ne olacağından bahsetmeden: Bu, 2005’ten bu yana düzenlenen en büyük Bienal ve sanatçılarının yaklaşık yüzde 90’ı kadın. 213 katılımcının sadece 21’i erkek ve hepsi Venedik’in eski tersanesi Arsenale’de sergileniyor; Giardini’nin klasik galerilerinde erkek sayısı tam olarak sıfırdır. Venedik’in başka yerlerinde, Anselm Kiefer, Georg Baselitz, Kehinde Wiley ve diğer gösterişli çocukların eşzamanlı sergileriyle, hala eski oyun.
Bu Bienal, eski cinsiyet önyargısını tersine çevirmek yalnızca son noktası olsaydı bir başarısızlık olurdu. Alemani’ye göre, serginin orantısızlığının çok daha kesin bir amacı var: bugünü daha keskin gözlerle görmemizi sağlamak için geçmişi yeniden kurmak. Bunu öncelikle beş gösteri içinde gösteride – çağdaş seçimlerini çerçeveleyen tarihi parantezlerde, her biri ana akıştan tozlu pembe veya robin yumurta mavisi renkli duvarlarla yola çıkıyor. (Bu yıl sergi tasarımı, Arsenale’nin zorlu geniş alanlarını alt bölümlere ayıran ve evcilleştiren genç İtalyan firması Formafantasma’ya ait.)
“The Witch’s Cradle” adlı mini gösterinin hardal galerisinde, erkek klişelerinden kaçmak veya yapısını bozmak için maskeli balolar veya fanteziler kullanan kadın sanatçılarla tanışıyoruz. Bunlar arasında ünlü Sürrealistler Leonora Carrington, Dorothea Tanning, Leonor Fini ve Meret Oppenheim; Fütürist çizimi yeni bilinçaltı uçlarına yeniden yerleştiren Benedetta gibi İtalyanlar; ve ayrıca Josephine Baker, Augusta Savage ve Laura Wheeler Waring dahil olmak üzere birçok Siyah Amerikalı kadın, sonuncuları WEB Du Bois’in The Crisis dergisi için Mısırlı/Art Deco kapaklar çizdi. Bu metafizik gelenek bugün, sevgi ve korkunun insanları köpek gibi davranmaya ittiği, dolu dolu aile içi şiddet sahnelerinden oluşan bir galeriyle bu Bienalin yıldızı olarak ortaya çıkan Portekizli-İngiliz pastelist Paula Rego tarafından ele geçiriliyor.
İkinci, keyifli bir mini gösteri, kapların, çantaların, deniz kabuklarının ve konteynırların topolojilerini inceleyen kadın sanatçılara sunuyor: Sophie Taueber-Arp’tan boncuklu bir çanta, Ruth Asawa’nın asılı ağları, Mária Bartuszová’nın (gözler, gözler, gözler) delinmiş beyaz alçı elipsleri ve 19. yüzyılın öncü Hollandalı doktoru Aletta Jacobs’un hamile insan rahminin inanılmaz kağıt hamuru modelleri. (Eklememe izin verin, kelimenin tam anlamıyla, bu şimdiye kadar gördüğüm en ölü bienal, katılımcıların yarısından biraz azı mezara giriyor.) Çağdaş Taylandlı sanatçı Pinaree Sanpitak, yaprak veya göğüs olabilecek puslu şekiller çiziyor. veya gözyaşı kanalları, belirsiz iç ve dış mekanlara sahip formların güzel ve çağdaş bir keşfini sunar.
Protezler — insan sınırlarını belirsiz kılan insan icatları — ilgili bir ana motiftir. Kendimi burada, Birinci Dünya Savaşı gazileri için lateks ve boyalı metalden jelatinimsi yüz protezleri yapmak için klasik eğitimini kullanan Amerikalı bir heykeltıraş olan Anna Coleman Ladd’ın (1878-1939) hayatına dalmış buldum. Etin ve teknolojinin bu iç içe geçişi, gösterideki heykelsi eserlerde dalgalanıyor: İster Hannah Levy’nin örümceksi metal bacaklar üzerindeki sarkık silikonu, ister Julia Phillips’in eksik bir kadın vücudunu destekleyen bronz armatürü, ister Tishan Hsu’nun yüzlerin ve telefon ekranlarının reçine melezleri. Bunlar gösterinin en iyi işleri arasında yer alıyor, ancak keşke Alemani sonuna kadar gitseydi ve geçirgen cisimlere ve akışkan kimliklere olan ilgisi bu gösterinin neredeyse tüm saplantılarını önceden şekillendiren protez sınıfı plastiklerin usta heykeltıraşı Matthew Barney’i de dahil etseydi.
Ardından otomatik çizim ve yazma, seanslar, spiritüel yönlendirme gelir. Karmaşık suluboyalar aracılığıyla ölülerle iletişim kuran Viktorya dönemi mistik Georgiana Houghton’a sahibiz; Minnie Evans’ın insan gözünün kelebek kanatlarından dışarı baktığı yoğun simetrik fantezileri. Medyumlar ve inanç şifacılar. Sarmal sarmaşıklar, çiçek açan çiçekler. Tüm bunlar, çağdaş sanatçılar arasında, Emma Talbot’un amniyotik sıvıdaki yıldız patlamaları ve bebeklerin kumaşı üzerindeki duygusal tablosu, Firelei Báez’in DayGlo Afrofütürist tanrıların sert duvar resimleri veya Haitili sanatçı Myrlande Constant’ın hayvan-insan melezlerini betimleyen boncuklu bayrakları tarafından seçiliyor. Meme uçlarından veya cinsel organlardan filizlenen sarmaşıklar ve dallar çizen en az üç sanatçıyı izledim.
Tüm bunlara ne kadar tahammül edebileceğiniz, kürelerin müziğine kendi özel uyumunuza bağlı olacaktır. Büyüsünü kaybetmiş yanıma gelince (ve özellikle savaş kızışırken), bu büyülü düşünceden kaçış konusunda ciddi şüphelerim var, sanki ilahi dişiliğe biraz daha saygı göstersem her şey yoluna girecekmiş gibi. Moderniteye ara veremezsiniz, hayallerinizde bile – bu Bienal’de çağdaş dönemin kasvetli apartman bloklarında ve belediye binalarında foklar, balinalar ve ahtapotlar çizen hızlı zekalı Inuk sanatçısı Shuvinai Ashoona tarafından vurgulanan bir ders. Yerli Arktik. Ve “Düşlerin Sütü”ndeki en ilgi çekici projeler, bahçeye geri dönmeye çalışmak yerine, modern dünyanın tam eksikliğini ve istikrarsızlığını araştırıyor.
Giardini’de Alemani, toplumsal cinsiyet ve bilgi işlem teknolojilerine ve sanatın algoritmalarımızın güçlerini ve yanlış uygulamalarını nasıl ortaya çıkarabileceğine yönelen beş galeriden oluşan parlak bir art arda koreografi yaptı. Wiggen’in yeni büyük irislerinin yanı sıra 1960’larda yaptığı ağ bağlantılı devreler ve anakartlarla ilgili garip ve büyüleyici resimlerle başlıyorlar. (Sonuçta “bilgisayar” kelimesi, başlangıçta ağırlıklı olarak kadın büro emekçilerine atıfta bulunuyor.) Sonra, akılcı formları göz kamaştırıcı amaçlara sokan İtalyan kadın Op sanatçıları – Nanda Vigo, Grazia Varisco ve diğer dört kişi – karşılaşıyoruz.
Onlardan sonra çizim ve boyamayı bilgisayar çağına göre yeniden biçimlendiren iki zeki kadın gelir. Biri, 1970’lerde eski bir bilgisayar çizicisine kod vererek minimal kompozisyonlar “çizmiş” (ve halen 98 yaşında bir Paris huzurevinde çalışmakta olan) Vera Molnár. Diğeri, yarı tonlu noktalar ve ifadelerden oluşan yoğun soyutlamaları, resmi dijital algının ideal bir aracı olarak yeniden doğrulayan Jacqueline Humphries.
Sanat dünyasının son zamanlardaki favori ifadelerinden biri, antropolojiden alınmış ve rasyonel beklentilere meydan okuyan hemen hemen her şeye yanlış uygulanmış “alternatif bilgi”dir. Bir rüya güzel olabilir, bir rüya güçlü olabilir, ama rüya hiçbir şekilde bilgi değildir. “Alternatif bilgi”nin daha iyi bir türü, en azından en hırslı haliyle sanatın verdiği bilgidir: formlar kendilerini aştığında ve gerçek gibi hissettiğinde aniden algıladığımız insanlık durumumuza dair nabız gibi hızlı içgörü. Bu kararlı, dengesiz ve tam anlamıyla tarihi Bienal’deki en iyi sanatçılar, bu insanlık durumuna bulutsuz gözlerle bakıyorlar.
59. Venedik Bienali: Düşlerin Sütü
27 Kasım’a kadar; labiennale.org.
The New York Times haberinden çevrildi ve haberleştirildi.