Rönesans Müziğine Sevdirecek 5 Dakika

Geçmişte, arkadaşlarımızı klasik müzik, piyano, opera, çello, Mozart, 21. yüzyıl bestecilerine aşık etmek için çalacağımız beş dakikayı seçtik. , keman, Barok müzik, sopranolar, Beethoven, flüt, yaylı çalgılar, tenorlar, Brahms, koro müziği, perküsyon, senfoniler, Stravinsky, trompet, Maria Callas, Bach, org, mezzosopranolar, dans için müzik ve Wagner.

Şimdi bu meraklı dostları Rönesans’ın zengin ve çeşitli müziğini sevmeye ikna etmek istiyoruz. Burada keşfedecek ve eğlenecek çok şey bulacağınızı umuyoruz; favorilerinizi yorumlara bırakın.

◆ ◆ ◆

Peter Phillips, Tallis Scholars’ın kurucusu

Thomas Tallis harika biriydi deneyci. 40 bölümde (“Spem in alium”) ve dört bölümde (“Beni seviyorsanız”) yazdı. Katolik ayini (“Gaude gloriosa”) için muhteşem antifonlar ve Anglikanlar için samimi hizmet müziği yazdı. Yaptığı her şeyde, nadiren kendini tekrar ederek öncülük etti.

“Sancte deus”, yalnızca yüksek sesle puanlanan ve Meryem’den çok İsa’yı öven bir başka örnektir. Yüksek puanlama, gerçekten paralel olmayan, büyüleyici bir doku yaratır. “Kürelerin uyumu” sonoritelerinin yanı sıra antika gibi görünen kadansları içerir. Bu, her engeli anında yıkan müziktir.

Thomas Tallis’in “Sancte deus”

Tallis Scholars (Gimell)

◆ ◆ ◆

Jolle Greenleaf, şarkıcı ve Tenet sanat yönetmeni

Bu döneme yeni başlayanlar için burası harika bir başlangıç ​​noktası. 1547’de Venedikli bir matbaa tarafından çeşitli besteciler tarafından diğer madrigallerle birlikte basılan “Ancor che col partite” 16. yüzyılın en ünlü eseriydi. O kadar iyi! İyi hazırlanmış, duygusal ve duyusal, çeşitli ses ve enstrüman kombinasyonlarında söylenip çalınabilir, bu da onu hem saray hem de ev müzisyenleri için ideal kılar. Gerçek Rönesans tarzında, virtüöz sanatçılar, günümüz caz standartlarına benzer, son derece süslü versiyonlar yarattılar.

Cipriano de Rore’un “Ancor che col partire”

Cappella Mediterranea (Ricercar)

◆ ◆

Jeff Dolven, Rönesans şiir bilgini

Şiir ve şarkı arasındaki en yüce karşılaşmalardan bazıları bize İngiliz Rönesansından geliyor, John Dowland ve Thomas Campion gibilerinin yapıtları . 1608’de Thomas Weelkes tarafından üç ses için yazılan madrigal “Come, sirrah Jack, ho” gibi harika bir uçarılık da var. Shakespeare’in Falstaff’ının Eastcheap Tavern’de çağırmış olabileceği türden bir şarkı: canlı Şarkıcılar, içki içmenin ve sigara içmenin kutlaması sırasında, bir kereden fazla duyduğumuz gibi “çok, çok iyi” olan tütünün “mükemmel Trinidado” olduğuna kefil oluyorlar. Şarkı, bir duman kıvrımı kadar karmaşık ve ağırlıksızdır ve uçup giderken yalnızca imparatorluğun gölgesini düşürür.

Thomas Weelkes’in “Gel, efendim Jack, ho!”

The King’s Singers (Sony)

◆ ◆ ◆

Laurie Stras, müzikolog

yetişkinliği – hayal gücümde – Rönesans’ta, tarihin kadınlarıyla birlikte, artık topluluğum Musica Secreta’daki kadınlar kadar hayatımın bir parçası olan kadınlarla. Hayatlarını ve müziklerini yeniden yapılandırarak, insanlıklarının yüzyıllara ulaştığını hissettim.

Lucrezia Borgia’nın kızı Leonora d’Este’ye atfettiğim bu “Tribulationes civitatum audivimus”, bildiğim en güzel parçalardan biri değil, aynı zamanda kuşatılmış bir topluluğun vasiyetidir. felaketle, hala geleceğe inancı olan. Rahatlığa veya umuda ihtiyacım olduğunda, arkadaşlarımın seslerinin uyumsuzluk içinde sıkıca sarıldığını duymak için sık sık geri dönüyorum, her cümle bir önceki bitmeden önce huzursuzca ortaya çıkıyor, merhamet ricaları nihayet – ve şanlı bir şekilde – çözülmeden önce.

Leonora d’Este’nin “Tribulationes civitatum audivimus”

Musica Secreta ve Celestial Sirenler (Obsidian)

◆ ◆ ◆

Jeremy Denk, piyanist

Bu çılgın bir Rönesans macerası. Thomas Morley bunu “pratik müzik eğitimi” kitabına koydu. Zavallı, masum Rönesans insanlarının masanın etrafında oturup şarkıyı söylemeye başladıklarını ve giderek daha da şaşırdıklarını hayal etmeye çalışın. Ana şarkıcı alfabeyi -toplamda dört kez- okur ve her seferinde alttaki ritimler daha keskin, daha caz, daha anlaşılmaz hale gelir; notalar, ilk başta iffetli, vahşice uyumsuz hale gelir. Charles Wuorinen’in orijinalinden sadece birazcık değiştirilmiş olan bu yeniden yazım performansını seviyorum. Sona geldiğinizde, bir dağa tırmandığınızı ve Rönesans’ın son derece modern bir dönem olduğunu hissedersiniz – birçok yönden sonraki yüzyıllarda Batı klasik müziğinden daha akıcı, özgür ve maceracı.

Charles Wuorinen’in “Christes Crosse (Thomas Morley’den Sonra)”

Elizabeth Farnum, soprano; Alan Feinberg, piyano (Albany)

◆ ◆ ◆

Paul Agnew, Les Arts Florissant ortak müzik direktörü

Rönesans’taki erken kariyerimin büyük bir bölümünü geçtim Hem Tallis Scholars hem de Consort of Musick’in bir üyesi olarak müzik ve topluluktaki zamanımdan önce gelen bir Consort kaydı önermek istiyorum. Bu, çok az tanınan bir bestecinin müziğidir ve yine de, bence, yalnızca bir dahi değil, aynı zamanda sonraki Rönesans (veya Maniyerist) müziğinin Barok’un patlamasına doğru gelişmesinde son derece etkili.

Giaches de Wert, Monteverdi Mantua’daki ilk görevi için genç bir müzisyen olarak geldiğinde Claudio Monteverdi’nin patronuydu ve de Wert, “L’Orfeo’su ile müzik tarihini değiştirecek adam üzerinde çok önemli bir etkiydi. ” “Giunto alla tomba” Tancredi’yi (Tasso’nun “Gerusalemme Liberata”sından) sevdiği ve yanlışlıkla savaşta öldürdüğü Clorinda’nın mezarına gelişini anlatıyor. Alnını mezarın mermerine koyar ve onun için ağlar. De Wert’in ortamı, her dinlemede beni derinden etkileyen bir ifade ve duygusal yoğunluk modelidir.

Giaches de Wert’in “Giunto alla tomba”

The Consort of Musicke (Erato)

◆ ◆ ◆

Erika Supria Honisch, müzikolog

Sloven besteci Jacobus Handl (1550-91) tarafından yazılan bu müzik, ilk icrasından itibaren dinleyicilerini etkisi altına aldı. Latince sözler yürek burkan: “Bakın, adil olan ölür ve kimse onu kalbinde hissetmez.” Her iki yarının da “ve hafızası huzur içinde olacak” cümlesiyle bitmesine bayılıyorum – içten içe şefkatle yaklaşmadan önce sevgiyle ulaşan sesler.

1590’larda Prag’daki Katolikler, Kutsal Cuma ayinlerinin bir parçası olarak bu moteti denediğinde, duygularını “harika bir şekilde” harekete geçirdiği bir günlükte karalanmıştı. Belli ki yalnız değillerdi: İnsanlar, 16. yüzyılda bestelenen müzik için istisnai bir kader olan, yazıldıktan çok sonra bile icra etmeye devam ettiler. Bach’ın Leipzig’inde, Good Friday’de Tutkunun “son hareketi” olarak söylendi – John Butt tarafından yönetilen Dunedin Consort ile bir kayıtta yeniden yaratılan bir bağlam.

Jacobus Handl’in “Ecce quomodo moritur justus”

Dunedin Consort (Linn)

◆ ◆ ◆

Harry Christophers, Onaltı’nın kurucusu

Bundan daha güzel bir Tudor müziği parçası olabilir mi? Dört dakikanın altında, insan sesinin kendini en kişisel şekilde ifade ettiği bir mücevherdir. Oxford’daki Magdalen Koleji’nin kurucu tüzüğü, her gün uyanırken ve yatmadan önce söylenmesi gerektiğini ilan etti. Yavaş hareket eden bası, hem yansıtıcı hem de şehvetli en zarif oymaları ören altı sesi destekler. Neredeyse 500 yıl önce bestelenmiş olmasına rağmen, bugünün dünyasıyla o kadar alakalı ki: “Bizi özgür bırakın, bizi kurtarın, bizi koruyun.” Bu, kalbi ısıtan ve bize şimdi ve gelecek için umut veren müzik.

John Sheppard’ın “Libera nos I”

On Altı

◆ ◆ ◆

David Allen, Times yazarı

John Sheppard’ın “Medya Özgeçmişi” beni Tudor koro müziğine bağımlı kılan beş dakikaydı — yani, sanırım 25 dakika. Mahler’in hırstaki yavaş hareketine yakın ve kromatikliği ve uçsuz bucaksız kaygısı o kadar da uzak olmayan ölüm üzerine bu derin düşünce muhtemelen 1550’lere dayanıyor. Gücünün büyük bir kısmı saf tekrardan gelir, ancak çoğu aynı zamanda tek seslerin korkunç insanlığını, tüm topluluğun heybetli sesiyle karşılaştırma biçiminden gelir. Son dört dakika, kilise korosunda hem genç hem de yaşlıların yüksek ve alçak seslerle günahları için af dileyerek başlar ve “ebedi ölümün acı acılarından” kurtuluşa dair yükselen bir inanç beyanıyla sona erer.

John Sheppard’ın “Medya Özgeçmişi”

Stile Antico (Harmonia Mundi)

◆ ◆ ◆

Javier C. Hernández, Times klasik müzik ve dans muhabiri

Huzur ararken, buna yöneliyorum: Giovanni Pierluigi da Palestrina’nın göksel sesleri, bir 16. yüzyılda kilise müziğinin büyük yazarlarından. En tanınmış eserlerinden biri, 1555’teki ölümünden sadece 22 gün önce hüküm süren Papa II. Marcellus’a ithaf edilen “Missa Papae Marcelli”dir. Palestrina, karmaşık polifonik çizgileri mütevazı bir cephenin arkasında – kısmen de olsa- bir araya getirme ustasıydı. Müziğin dini metinlerin kutsallığına üstün gelmemesi için ruhani liderlerden gelen taleplere bir yanıt. Westminster Abbey Korosu, bu şahesere ve onun umut ve bağışlama mesajına hayat veriyor.

Giovanni Pierluigi da Palestrina’nın “Missa Papae Marcelli”

Westminster Abbey Korosu (Arşiv)

◆ ◆ ◆

Nico Muhly, besteci

William Byrd’ın “Civitas sancti tui”, Isaiah’tan kısa bir pasajın ayarıdır. Metin seçimi, Byrd’ın kendi geri dönen Katolikliği ile kodlanmıştır: Yıkılan Kudüs şehri ve ardından gelen Babil sürgünü için bir ağıt, onun zamanındaki kederli ve kaotik Katoliklik durumu ve gizli ibadet ihtiyacı için bir vekil görevi görür.

Beş ses kullanarak Byrd, birbirini taklit eden bir ses ağı oluşturarak başlar – tümü basit ve çoğunlukla azalan, sürekli akan malzemeye dayalıdır. Aniden, üst sesler ilahiye benzer bir ahenk içinde, “Zion israf edildi ve alçaldı” şarkısını söylüyor ve şok edici bir parlaklık anında, cümle alt sesler tarafından tekrarlanıyor. Ama burada, sadece küçük bir harmonik değişiklikle, kabarır ve özlem duyar.

Bundan, tekrarlanan “Kudüs” kelimesi üzerinde dokunaklı ve hassas bir ifade ortaya çıkıyor, sanki ulaşılamayacak bir şeyi tutuyormuş gibi beşte bir uzanıyor ve aşağı iniyor. Bu eserde sıra dışı olan şey, çok fazla ifade katmanının olmasıdır: taklitçi kontrpuanla şarkı söyleyen sesler; birlikte şarkı söylemek; bir süre tek bir akorda takılmak; ya da aniden hayal bile edilemeyen harmonik bölgeye çiçek açması. Tekrarlanan “Kudüs” kelimesi benim için herhangi bir dönemden herhangi bir müzikteki herhangi bir cümlenin duygusal gücüne sahiptir ve bu motet Byrd’ın en ham ve parlak örneğidir.

William Byrd’ın “Civitas sancti tui”

The Tallis Scholars (Gimell)

◆ ◆ ◆

Andrea Bayer, Metropolitan Sanat Müzesi müdür yardımcısı

Rönesans ve Barok İtalya’da görsel sanatlar, müzik ve şiir genellikle insan ruhunu yücelten birleşik bir girişimin iç içe geçmiş yönleriydi. . Müzik, bir müze küratörü olarak, özellikle 17. yüzyılın büyük müzik aletleri natürmort ressamı Evaristo Baschenis üzerine araştırmamda ve 2008 Met sergimdeki “Art and Love in Rönesans İtalyası.” Özellikle Cecilia Bartoli’nin Caccini’nin “Amarilli, mia bella” şarkısının versiyonunu seviyorum. Tarihsel olarak en kesin performans olmayabilir, ancak ayetin samimiyetini zarif bir şekilde yakalar.

Giulio Caccini’nin “Amarilli, mia bella”

Cecilia Bartoli, mezzo-soprano; Gyorgy Fischer, piyano (Decca)

◆ ◆ ◆

Joshua Barone, Times editörü

İşte bir Rönesans ikilisi: “L’Homme Armé” şarkısı ve ardından ilham verdiği pek çok kitleden birinin başlangıcı olan Josquin des Prez’in “Missa L’Homme Armé Super Voces Musicales”i. Silahlı Adam kim? Melodinin tarihi gizemlidir, bazı köken teorileri diğerlerinden daha tatsızdır. Ancak 15. yüzyılın ortalarında popüler hale geldiğini ve 40’tan fazla kitle ortamı için bestecilerin zihninde olduğunu biliyoruz. Josquin, muhtemelen klasik müziğin ilk ünlüsü, iki tane yazdı. Bu, şarkının her bölümdeki bir versiyonunu art arda daha yüksek bir perdede alıntılayan – Bach’ın daha sonra bilineceği kontrapuntal parlaklıkla, minimal araçlardan zengin bir atmosfer yaratan daha önceki.

Josquin des Prez’in “Missa L’Homme Armé”

The Tallis Scholars (Gimell)

◆ ◆ ◆

Zachary Woolfe, Times klasik müzik eleştirmeni

16. yüzyılın başlarında Josquin des Prez ve Heinrich Isaac’i karşılaştıran samimi bir gözlemci, Josquin’in daha güçlü olduğunu söyledi besteciydi ama Isaac daha dost canlısı ve daha üretkendi. Son derece üretken ve iyi seyahat etmiş, kesinlikle Floransa’daki yönetici Medicis’e kendini sevdirecek kadar arkadaş canlısıydı ve Lorenzo’nun ölümü üzerine bu yüce, sakin ama heyecan verici ağıtı – kısa sırayla, daha önceki müziklerinden bazılarını yeniden tasarlayarak – yazdı. 1492’de muhteşem.

Heinrich Isaac’in “Quis dabit capiti meo aquam”

La Tempête (Alpha)

◆ ◆ ◆

Seth Colter Walls, Times yazarı

Catherine Breillat’ın asi romantizmi “The Last Mistress”i izlerken, müzikle ilgili notlar almak için son jeneriği izledim. filmde kullanılmıştır. Seçkilerden biri, Jordi Savall’ın yönettiği bir performansla John Playford’un “Faronell’s Division”ıydı. Savall’ın “Altre Follie: 1500-1750” kaydını bulmak da çabaya değdi, çünkü programı Portekiz “folia” dansının – canlı yürüyüşü ve hüzünlü melodik kalıbıyla – Rönesans’a kadar uzanan uzun tarihini çizdi. Antonio de Cabezón’un türe yaptığı 1557 katkısı “Pavana con su glosa” Breillat tarafından kullanılmamış olsa da; keman ve klavsen için yapılan bu aranjmanda hem pervasız bir coşkunun hem de ardından gelen üzüntünün imaları vardır.

Antonio de Cabezón’un “Pavana con su glosa”

Hespèrion XXI (Alia Vox)

◆ ◆ ◆

Christina Pluhar, L’Arpeggiata’nın kurucusu

Rönesans sırasında, antik Yunan tiyatrosunun söylendiği hayal edildi. Böylece, besteciler Jacopo Peri, Giulio Caccini ve Emilio de’ Cavalieri’nin etrafındaki sanatsal bir grup, 1600 civarında tamamen yeni bir müzik tarzı icat etti, Yunan dramasını taklit etmeye çalışan “recitar cantando” (“sung recitation”).

O zamana kadar polifonik müzik, kontrpuanda 54 sesin birlikte şarkı söylemesiyle son derece karmaşık hale gelmişti. Yeni “resitar cantando”, bir lavta, theorbo, org, klavsen veya arp eşliğinde sadece bir ses kullandı. Bu tür bir açıklama, operanın gerektirdiği şekilde genişletilmiş dramatik monologların ve diyalogların tanıtılmasına olanak sağlayan önemli bir yenilikti; daha sonra resitatif hale geldi. De’ Cavalieri’nin “Rappresentatione” ilk performansı için 1600 yılında, üç perde ve bir sözlü prolog ile tamamen sahnelendiğinden, ayakta kalan en eski opera ve müzik tarihinde bir devrimin başlangıcı olarak kabul edilebilir.

Emilio de’ Cavalieri’nin “Rappresentatione di Anima, ed di Corpo”

L’Arpeggiata (Alpha)

◆ ◆ ◆