Çift görme? Büyük Sanatçılar da öyle.

National Gallery’deki yeni ve parlak bir sergi olan “The Double: Identity and Difference in Art in 1900″‘ün en başında, süslemesiz düz griye boyanmış, 8 metrelik bir kontrplak sütun duruyor. Tek başına dururken, basit bir şekilde mimari olarak karşımıza çıkacaktı. Ama yalnız değil: Yerde aynı sütun yan yana uzanıyor ve şimdi kaçınılmaz olarak bir ayakta duran ve bir diğeri yaslanmış olarak anlaşılan eşleştirme, tüm insanların temel sosyalliğini temsil ediyor. Robert Morris’in 1961 tarihli “İki Sütun” eserindeki ikiz figürler tüm insanlığı temsil edebilir.

“Çift”teki 101 modern ve çağdaş sanatçı, ikiliğin hayati sosyal etkisini kanıtlıyor.

Ya da bu şovun başka bir yoluna ne dersiniz?

National Gallery’de yeni ve parlak bir sergi olan “Çifte: 1900’den Beri Sanatta Kimlik ve Fark”ın en sonunda, süslemesiz kırık cam bir bölme yer alıyor. Kendi başına yatarak, içinde yaşadığımız dünyanın temelindeki kırılganlığı anlatırdı. Ama yalnız değil: Yanında, mucizevi bir şekilde ilkiyle aynı çizgide kırılmış başka bir bölme yatıyor. Biri çekiçle kırıldı; diğerinin çatlakları, birincinin mükemmel bir taklidi ile kesildi. Jorge Macchi’nin 1998 tarihli bu “Parallel Lives” parçasındaki eşleştirme, parçalarını kopyalayarak dünyaya anlam ve düzen dayatma temel ihtiyacımızı araştırıyor.

“Çift”teki 101 modern ve çağdaş sanatçı, ikiliğin hayati zihinsel etkisini kanıtlıyor.

Washington DC’deki bu sergiye her iki taraftan ve herhangi bir sayıdaki açılardan 120’den fazla eserle gelin ve ikiye katlamanın – aynılık, ama aynı zamanda gerilim içinde olduğu farkın – temel bir özellik olduğuna ikna olacaksınız. çağımızın sanatının ve aynı zamanda en zorlayıcı konularından biridir. Ulusal Galeri’nin modern sanat küratörü James Meyer, yan yana gösterilen iki benzer şeyin, tek bir büyük ifadeden farklı bir şey ifade ettiğini gösteriyor. Genellikle daha fazlasını ifade ederler.

Meyer’in küratörlüğü, sergilenen eserlerdeki eşleştirmeyi yansıtıyor: “Çift”, temasına güçlü, aydınlatıcı bir yaklaşım bulmak yerine, tek bir kavram olarak çoğaltmanın birden fazla boyutta nasıl oynandığını gösteriyor.

Çok kararlı ve temel görünen ikilik, istikrarsızlıkla konuşabilir. Bu serginin Picasso’nun bir yüzünün 1912 kolajında, iki kopyalı bir burun ve kulak, tüm düzenli temsil projesine şüphe uyandırıyor gibi görünüyor. Gerçekten de herhangi bir görüntünün kaotik dünyamızın neyle ilgili olduğunu anlayabileceğini söyleyebilir miyiz? Kekeleyen bir görüntü daha iyi iş çıkarmaz mı?

Yine de, aynı çağda, Picasso’nun titremeleri, yine iki temelli bir soyutlama ikonunda hiçbir yerde bulunmaz. Kazimir Malevich’in 1923’te yaptığı bir çift kare çiziminden daha iyi bir düzen imgesi düşünmek zor: Sanatı sorgulamak yerine, sanatın ne olabileceğinin en istikrarlı özünü temsil ediyor gibi görünüyor. Sonuçta, iki nokta çizimin temelindeki çizgiyi tanımlar ve iki parça, boyadaki en minimal kompozisyonu yaratan şeydir.

Çoğaltmanın işaret ettiği mutlak düzen, yarı çılgın bir zorlama olarak da karşımıza çıkabilir: Bu gösterideki bazı sanatçılar çift gördüğünde, onları nefes almak istersiniz.

Yaklaşık on yıl önce, sanatçı Vija Celmins eski bir karatahtayı aldı, çizdi, yıprandı ve tebeşirle bulaştı ve sonra her çatlağı ve lekesine kadar mükemmel bir kopya yaptı. Onları “The Double”da gördüğünüzde hangi karatahtanın önce geldiğini söylemek mümkün değil ama denemenin cazibesine kim karşı koyabilir? Her ne kadar beynimiz farkın tespiti üzerine inşa edilmiş olsa da – bir sinyali gürültüden ayıran şey budur – sadece çok nadiren bulunduğu için mükemmel çoğaltmanın da oldukça belirgin olabileceği ortaya çıktı.

Mutlak aynılığın kıymeti, hatta kırılganlığı, Roni Horn’un bir parçasında açıkça ortaya çıktı. 1986 tarihli “Things That Happen Again” adlı kitabında, her biri yaklaşık bir basset tazısı büyüklüğünde, katı bakırdan kusursuz bir şekilde işlenmiş iki özdeş koni sunuyor. Bir ziyaretçinin parıldayan bakırın üzerine büyük, yağlı bir el izi bırakıp ikiz çift arasındaki eşleşmeyi yok ettiğinde fark ettiğim gibi, kopyalarının endüstriyel mükemmelliği çekiciliklerinin bir parçası. Ulusal Galeri personeli perişan oldu, ancak kısa sürede cilalanan hasar, yalnızca mükemmel kimliğin işin etkisi için ne kadar önemli olduğunu pekiştirdi.

Aynılık sorunu – yoksa farklılık sorunu mu? — bildiğim en büyüleyici ikili çalışmanın kalbinde yatıyor: Robert Rauschenberg’in “Factum I” ve “Factum II”nin her ikisi de “The Double”da yer alan iki tuvali. 1957’de bir noktada, Amerika’nın Soyut Dışavurumculuğun tek seferlik taşkınlık çılgınlığının hemen hemen zirvesindeyken, Rauschenberg tek bir dışavurumun bize iki kez görünmesini sağlamaya koyuldu. Bir tuvale sürdüğü her “kişisel” işareti, diğerinde de olabildiğince aynı şekilde tekrar etti. Başkan Eisenhower’ın iki özdeş basın resmini bir çalışmanın yüzeyine aktardıysa, bunları diğerine de koyarak, kitlesel yeniden üretim çağımızın izin verdiği iki katına çıkmayı ikiye katladı.

Rauschenberg kısa süre önce iki “Factum”unu yaptığında eşcinsel bir erkek olarak hayata başlamıştı. (O zamanki partneri Jasper Johns, gösteride bir çift imza bayrağına sahip.) Rauschenberg’in cinselliğinin, onun mükerrerlik ve eşitsizlik konusundaki büyük çalışmasına bilgi verdiğini hissetmemek zor.

“The Double”daki diğer güçlü eserler, aynılığı daha doğrudan üstlenen gey sanatçılara ait.

Gilbert & George olarak bilinen ve 1967’den beri Londra’da birlikte yaşayan ve sanat yapan Gilbert Prousch ve George Passmore adlı ikilinin fotoğrafları ve videoları, onlara eşleşen banka veznedar takımları içinde bugüne kadar onların ticari markaları olduğunu gösteriyor. Yıllar geçtikçe, homofobiklerin başını belaya sokan cinsiyet eşleşmesini kimliklerinin gururlu bir işareti haline getirdiler: Genellikle eşcinsel erkeklere bir karalama olarak atılsa da, “homoseksüel”deki “homo”yu yaşıyorlar. Yine de Gilbert ve George çiftliğini doğrulamak için sanatı kullansalar bile, gri pazen kamuflajları bunun bireysel varlığın kaybıyla birlikte geldiğini ima ediyor. (Julia Bryan-Wilson’ın mükemmel bir katalog makalesi, endişeli heteroseksüellerin zihinleri dışında, queerliğin “aynı” olmakla çok ilgisi olduğu fikrine saldırır.)

“Çift”, serginin alt başlığında bahsi geçen “kimlik ve farklılık”la eşit derecede gergin bir ilişkiyle karşı karşıya kalan renkli sanatçılar sunuyor. Glenn Ligon’un 2012 tarihli bir parçası, neon ile yazılmış, bir kez sağ tarafı yukarı, parlak beyaz harflerle ve daha sonra bunun altında baş aşağı, sadece arkadan parlayan siyah harflerle yazılmış “Amerika” kelimesini sunar. Ligon, bu ülkede siyahlığın her zaman beyazın karanlık bir yüzü olarak görüldüğünü yakalar, ancak bir kırışıklığa neden olur: Siyahta, ulusun adı normal olarak okunur; beyaz metninde harfler kelimenin yarısında geriye doğru dönüyor. Beyazlık kafa karışıklığımızın kaynağı olarak karşımıza çıkıyor, oysa Amerikan siyahlığı nerede durduğunu biliyor gibi görünüyor.

İkilik, pek çok sanatsal boyutta – ırksal, cinsel, estetik, bilişsel – ortaya çıkıyorsa, bunun nedeni sanat için bu gösterinin bile izin verdiğinden daha temel olması olabilir: Tek tek resimlerin bile ikiz olduğu ortaya çıkıyor. National Gallery’deki daha eski bir parça, James Meyer’in temasındaki yüksek riskleri açıkça ortaya koymuş olabilir. Joseph Wright’ın 1780’lerde yaptığı “The Corinthian Maid”, sanatın kökenlerini ikiye katlama açısından açıklayan antik bir hikayeyi resmeder: Bir zamanlar, genç bir kadının sevgilisi şehirden ayrılmak üzereyken, gölgesi bir duvarda, o gittikten sonra onun yanında kalması için; O andan itibaren takip edilen tüm resimler, “yok şeyleri mevcut kılmak” için çalıştıkları için hikaye diyor.

Bu uzun hikaye bir şeyi doğru yapıyor: Bizim için önemli olan şeyleri ikiye katlamak, bizonu mağara duvarlarına koyduğumuzdan beri sanatın merkezinde yer aldı.